La stratégie de Pascal Pinaud est claire. Elle vise à maintenir le tableau comme mémoire, forme, support et structure de la peinture, un archétype et un prétexte, une scène commode, indémodable et surcodée. Sa tactique n'est pas moins limpide. Ouvrir plusieurs fronts et mener les batailles ou les parties en simultané. Tous les angles d'attaque diffèrent et tous se valent. L'avantage décisif ne peut tenir qu'à cette dispersion désinvolte, cette démultiplication dépensière des scénarios, tous également mis au point, minutieusement suivis, méticuleusement réalisés, la qualité de la mise en |uvre de chacun contrastent d'autant plus avec l'équivalence vaine de tous. La peinture s'est longtemps rêvée comme une question de maîtrise, de savoir-faire d'exception : le rendu redonde ici le caractère fini de ce rêve comme de la peinture elle-même.

Artwork by Alex Katz. Contributions by Eric de Chassey.

Une histoire de l'introduction de l'abstraction aux Etats-Unis jusqu'à son triomphe provisoire dans les années 60, qui analyse aussi le lien entre réception et création, afin de cesser de concevoir la peinture abstraite en tant que style ou absolu, pour la voir enfin comme méthode ou modèle de relation au monde et à l'art, sans cesse en redéfinition.

Les années 1968 sont le théâtre d'une formidable production visuelle, portée par les utopies révolutionnaires. De 1968 à 1974, artistes et militants d'extrême gauche inventent de nouvelles formes d'expressions visuelles en lien avec les luttes collectives. Images en lutte raconte cette extraordinaire rencontre entre l'art et la politique, qui s'ouvre et se referme aux Beaux-Arts de Paris, de l'Atelier Populaire en 1968 aux réunions du FHAR et du MLF en 1974. Cet ouvrage s'ouvre par plus de 300 affiches de l'Atelier Populaire reproduites en grand format. Il présente pour la première fois de nombreux projets d'affiches ainsi qu'un reportage photographique sur l'occupation de l'Ecole. Des dossiers sont consacrés aux luttes, aux soutiens, aux révolutions, à la libération sexuelle... Il rassemble des peintures, des photographies, des sculptures, des installations, des revues, des tracts, des affiches politiques, des extraits de films et des photographies.

Matisse est l'un des plus grands artistes de ce siècle. Étrangement, c'est aux États-Unis, plus qu'ailleurs, que son importance fut progressivement reconnue à partir des années trente. Cette reconnaissance passa par des critiques comme Greenberg, des collectionneurs comme Barnes, des directeurs de musée comme Barr, et des marchands, à commencer par son propre fils Pierre Matisse. Elle passa aussi par le regard des peintres : Pollock, Newman, Rothko, et bien d'autres, ont regardé Matisse et pris en compte son influence. De peintre d'odalisques, Matisse est devenu ainsi l'inventeur d'une nouvelle "violence décorative". Mêlant étude de la réception et analyse de l'influence, le livre d'Eric de Chassey donne une vision nouvelle de la scène américaine dans ses rapports avec l'Europe, au moment même où l'art américain affirmait sa domination.

L'histoire de la photographie plate est retracée suivant une généalogie souterraine qui va du début du XIXe siècle à celui du XXIe siècle, des portraits anthropométriques de Bertillon aux grandes photographies d'identité de Thomas Ruff, des images sans distance de Paul Strand aux pures surfaces de Philippe Gronon.

Renowned British artist Bridget Riley’s paintings have provoked powerful sensations through their formally taut, abstract compositions over the course of her more than six-decade career. In this new body of work, Riley returns to earlier ideas and takes them into further and surprising directions. As the artist has noted, “I am sometimes asked ‘What is your objective’ and this I cannot truthfully answer. I work ‘from’ something rather than ‘towards’ something. It is a process of discovery.” Since 1961, Riley has focused exclusively on seemingly simple geometric forms, such as lines, circles, curves, and squares, arrayed across a surface—whether a canvas, a wall, or paper—according to an internal logic. The resulting compositions actively engage the viewer, at times triggering sensations of vibration and movement. In the present selection, Riley advances her Measure for Measure series, her most extensive body of work to date, into a new, darker color palette—once again, changing the way we look and offering a powerful effect on our eyes. This sense of dynamism was explored to great effect in the artist’s earliest black-and-white paintings, which established the basis of her enduring formal vocabulary. In 2020, after visiting her own earlier works at her retrospective exhibition organized by the National Galleries of Scotland, Riley returned to black-and-white lozenges, adjusting the orientation of each shape to create a new visual sensation. Published on the occasion of the 2021 exhibition at David Zwirner, London, this monograph features new scholarship on the artist by art historian Éric de Chassey, who looks at how Riley’s past, in addition to the history of art, has led to this body of work.